Si pensamos en el diseño gráfico, muchas veces imaginamos grillas, jerarquías tipográficas, paletas de colores armónicas y cierta coherencia visual. Esa es, en gran parte, la tradición del diseño occidental, el que estudiamos en la facu. Pero cuando viajás (o simplemente observás con atención otras culturas visuales), te encontrás con otros modos de construir sentido. En Japón, el diseño tiene una energía diferente: hay otra lógica, otros ritmos y otras intenciones.

🖼️ Un diseño que narra desde la imagen

El diseño gráfico japonés tiene una potencia narrativa visual muy marcada. Muchas piezas funcionan casi como viñetas: cuentan una pequeña historia a través de formas, colores, personajes o texturas. No es solo comunicar; es también sugerir, emocionar, evocar.

Una etiqueta de té puede parecer una estampa tradicional del período Edo —con paisajes, geishas o escenas del ukiyo-e-, sin que quede claro a primera vista si es una obra de arte o un producto. Un afiche puede parecer sacado de un manga o de una serie de anime, incluso cuando su intención es promocionar un curso de inglés para alumnos de secundaria. Una caja de golosinas o galletitas puede parecer el pack de un maquillaje y un お土産 (omiyage – en español: souvenir o recuerdo de viaje que habitualmente es comida) una bijoux topísima.

Este tipo de ambigüedad no es un descuido ni un error de diseño: es una decisión consciente y cuidada. Forma parte de una lógica visual donde no todo tiene que entenderse de inmediato. En medio de la locura y rapidez del mundo, el diseño gráfico japonés te invita a hacer una pausa para contemplar; no busca explicar cada cosa de forma literal. El diseño japonés muchas veces prefiere sugerir, insinuar o dejar espacio para la interpretación (aunque justamente “espacio” no es lo que sobra en las piezas gráficas, ya que una de sus principales características es la saturación de información).
En síntesis: invita a quien mira a participar activamente en la lectura visual, a completar el sentido con su propia mirada. (No inventaron la pólvora, pero la usan de otra manera).

Por ejemplo:

• Muchos diseños de afiches de obras de teatro o películas o publicitarios usan elementos surrealistas: una nube que entra por una ventana, un pez que flota en una taza, una figura humana sin cara. No hay una interpretación única; hay múltiples posibles lecturas. ☁️
• En packaging de maquillaje, de dulces, de snacks, es frecuente que haya fusión entre ilustración tradicional y elementos modernos aunque ¿es pop? ¿es kitsch? ¿es arte? Esa indefinición es parte del encanto.

• En la señalética pública, a veces conviven íconos amables o graciosos con advertencias serias (por ejemplo, un cartel de “prohibido fumar” con un personaje kawaii -可愛い-que hace puchero), un sapito en los andamios de una obra en construcción alertando el peligro por la obra en curso, un video de un gato en una pantalla gigante en pleno centro de Tokyo con mensajes de la policía local.

(Este del gato es tremendo, son esas pantallas que parece que la imagen sale en 3d hacia afuera onda el tiburón de Volver al futuro II. 👵🏻 )

🎨 Este uso de la ambigüedad no solo sorprende: invita a una lectura emocional y subjetiva. Cada espectador puede encontrar un sentido distinto, sin que el diseño lo lleve de la mano.

Esto contrasta con el diseño occidental moderno, que desde la Bauhaus en adelante priorizó la legibilidad, el racionalismo y la función. En Japón, lo funcional y lo sensorial se entrelazan.

🉐 Tipografía como textura visual

En el sistema tipográfico japonés, lo más interesante no es sólo cómo se escribe, sino cómo se combina con lo ilustrado, lo fotográfico o lo simbólico. Desde una mirada semiótica, la tipografía no solo comunica contenido verbal, sino que funciona como signo visual cargado de sentido. A veces ancla el significado (como diría Barthes), otras veces lo expande o lo vuelve más ambiguo. Esa polisemia (varios sentidos conviviendo en una misma pieza) es parte de la riqueza del diseño japonés: leer también es mirar e interpretar.

A diferencia del diseño occidental, donde el texto suele mantenerse contenido en bloques, en Japón la tipografía se integra al todo. Puede envolver una figura, fluir entre elementos o incluso parecer parte del background.

Este uso más expresivo de la tipografía no es casual: tiene relación directa con una tradición de lectura que no siempre fue lineal ni horizontal, y con una fuerte presencia del arte caligráfico “shodō (書道)”,como disciplina estética.

🎨 Un diseñador para chusmear Katsumi Asaba, groso en combinar caligrafía, diseño contemporáneo y referencias culturales japonesas con un enfoque muy artístico.

🧸 Lo emocional como código de diseño

En Japón es común encontrar diseños donde el humor, la ternura o la sorpresa están presentes, incluso en contextos formales. Mascotas oficiales en distintas prefecturas o regiones, personajes animados, íconos simpáticos… todo convive con naturalidad. Esta emocionalidad gráfica infantilizada es la forma que tienen ellos de conectar. 🎎 🎏

El diseño occidental en cambio, tiende a reservar lo emocional para contextos específicos: lo corporativo debe ser serio, lo institucional debe ser sobrio. El diseño japonés no tiene tanto miedo a mezclar códigos, a animarse a más.

🐥 Dato de color: Con motivo de la feria mundial expo osaka 2025🇯🇵 , el Ministerio de Finanzas de Japón preparó una moneda de ¥500 yenes que presenta la mascota oficial Myaku-Myaku (ミャクミャク) y el logo de la expo. 

📚 Algunos referentes y referentas (ta, ta, ta 😂) del diseño gráfico japonés

Además de Katsumi Asaba, hay una serie de diseñadores y diseñadoras japonesas que vale la pena conocer. A pesar de la globalización y del acceso casi inmediato a cualquier contenido, sigue existiendo una brecha cultural entre Oriente y Occidente. Muchas veces no consumimos lo que se produce del otro lado del mundo, ni siquiera sabemos que existe.

Así que, para empezar a cerrar esa brecha, acá van algunos nombres clave para desasnarnos 👀✨🫏:

🎌 Shigeo Fukuda

Fukuda va primero porque es el único que estudiamos en la facu. Capo de la retórica visual, maneja la síntesis como ninguno y fue un maestro y filósofo del minimalismo. Se hizo conocido internacionalmente con su obra «Victoria 1967» en el concurso de carteles de la 11ª Exposición de Arte de Japón. La obra de Fukuda es una suerte de puente entre dos mundos: el diseño como herramienta comercial y el diseño como discurso cultural.
https://foroalfa.org/articulos/arigato-sensei-fukuda?srsltid=AfmBOooSFDFnWfqMmE5kv56eghwBKffoOteoDYXb12ztcEwPG9BYEdgp

🎌 Ikko Tanaka 

Referente indiscutido del diseño moderno japonés. Su obra es una fusión de geometría, color y simbolismo tradicional con una mirada contemporánea. El afiche de Nihon Buyo es un ícono del diseño del siglo XX. (calate esa grilla de 1981)
https://www.instagram.com/ikko.tanaka/

🎌 Yuni Yoshida

Yuni es es diseñadora y directora de arte contemporánea. Trabaja mucho con collage digital, fotografía de estudio y crea composiciones visuales casi oníricas. Una voz actualísima en el campo de la experimentación visual, tiene un muy buen manejo de la retórica (y de photoshop) y una calidad fotográfica en sus piezas que le dan un caracter único a sus trabajos. (Capa, te queremos Yuni ❤️)
http://www.yuni-yoshida.com/

🎌 Kenya Hara

Director creativo de MUJI (hermoso y carísimo local japonés). Es autor de libros como Designing Design y White (no los leí pero los quiero, cumplo años el 6 de mayo 😉😉). Su enfoque no es minimalista por moda, sino por filosofía: cree en «el diseño como generador de vacío, contemplación y sentido». (sic)
https://www.muji.com/us/flagship/huaihai755/archive/hara.html

🎌 Kazumasa Nagai

Diseñador gráfico y artista visual, fue parte de la Nippon Design Center y es conocido por sus afiches (afichista que le dicen) con formas de animales, una especie de monstruitos abstractos que son hermosos. Podrían tranquilamenete ser parte del staff de Monsters Inc.
https://designreviewed.com/designer/kazumasa-nagai/

🧠 Pensar desde otra lógica visual

Comparar el diseño japonés con el occidental nos obliga a salir de nuestras propias categorías. No se trata solo de “otro estilo”, sino de otra forma de pensar la comunicación visual. Donde nosotros vemos “ruido”, ellos ven belleza. Donde priorizamos la claridad, ellos eligen la emoción. Donde buscamos impacto, ellos invitan a la contemplación o a jugar.

Como diseñadoras y diseñadores, abrirnos a estas otras miradas no solo nos enriquece visualmente, sino que nos da herramientas para pensar el diseño no como una fórmula universal, sino como una práctica que responde a un contexto específico, una práctica cultural, con alma. Me puse romántica 🫶🏻.

✨ Para mirar distinto, hay que mirar de lejos

Explorar el diseño japonés no es solo mirar “cosas lindas” hechas en otro idioma. Es cambiar la forma desde donde se piensa lo visual, donde las reglas que damos por sentadas se desarman y se vuelven pregunta.

A veces, lo que allá emociona, acá parece ruido. O lo que allá se sugiere con una mancha, nosotros lo explicaríamos con un ícono. Mirar cómo diseñan en otros contextos nos ayuda a salir del piloto automático y animarnos a hacer cosas nuevas. Nos recuerda que el diseño no es una receta universal, sino una práctica cultural, situada, viva. (¿¿¿vivoooo??? 🦖)